Cuando leí ¿Quién le teme a Virginia Woolf?, lo primero que pensé fue: ¡wow, qué difícil debe ser dirigir y actuar esta obra, con diálogos larguísimos y emociones complejas que requieren muchísimos matices para no volverse cansada! En esta producción, Peccuta Minata resuelve el problema acortando el diálogo y trasladando parte de la carga emocional al teatro físico. Es la primera obra que veo con todo el texto pregrabado, para poner toda la energía en la corporalidad de los actores, y lo logran con creces. Hay un momento de ruptura en el que gritan “¡Ya!” a viva voz, y se me puso la piel de gallina. Después de un rato de voces grabadas, escuchar ese grito y ver la vulnerabilidad de la compañía fue grandioso; tanto, que me quedé con ganas de más (pensé que seguiría un segmento con diálogos hablados). Creo que eso pasa con esta compañía: te deja con ganas de más, y eso puede ser un arma de doble filo. La obra original puede durar hasta tres horas y media; aquí lograron una buena adaptación de hora y media, aunque en los recortes siento que se apresura el conflicto que debe crecer lentamente hasta el clímax y el gran giro final que amarra todo. La trama no es sencilla y necesita madurar poco a poco. Pero al final qué maravilla ver a esta compañía en escena y cómo crece artísticamente con cada montaje.

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Una divertida experiencia no apta para los que tienen traumas con su papá (yo)

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Algodón de Azúcar es de esas obras que cuando empiezan no sabes que está pasando pero que inmediatamente te envuelven en su atmósfera y misterio, sin saber que poco a poco te irá revelando verdades crudas que son imposibles de ignorar y que te llevan a una reflexión profunda y a una incomidad extrema (como solo el buen teatro puede hacer). Lo que mas me sorprendió fueron las imágenes que se te quedan en la cabeza, momentos de máximo 2 segundos que son como flechas que se te quedan pegadas en la mente sin poder escapar de ellas. Bien dicen que una imagen vale más que mil palabras y, dios mio, que gran trabajo al poner sobre la mesa un tema tan complejo y que muchos preferirian ignorar. Un viaje a través de la memoria y los traumas de la infancia, crudo, doloroso, pero lleva a un lugar de mayor luz y sanación. Gracias por venir a Guadalajara y ser de lo mejor que he visto en este año. Espero con ansías volver a entrar al circo.

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En esta producción de 'Despertar de primavera' se hace de uso de distintos dispositivos escénicos que son al mismo tiempo una propuesta original, pero también la piedra con la que se tropiezan por momentos. Por ejemplo, los personajes interpretados por distintos actores en una especie de coro polifónico es algo muy interesante de ver. Sin embargo, si la estructura episódica del texto dificulta explorar a profundidad las emociones de los personajes, hacer que varios intérpretes digan los diálogos tiene el efecto de que no se pueda conectar con los conflictos internos de los personajes. Además de esto, se recortan diálogos que podrían parecer redundantes pero que en realidad ayudan a este reforzamiento emocional, como la conversación completa de Wendla con su mamá, y se le quita peso a escenas realmente fuertes como la del granero. Los dispositivos usados y las actuaciones son buenos, pero creo que el texto por si solo ya presenta dificultades que lamentablemente ciertas decisiones los profundizan. Lo que si es que la escena final es muy buena, le otorga al texto un aire nuevo y ligero.

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Desde el principio la producción te va introduciendo en el tema de la obra usando suceso real 'el baile de los 41' para hacer una reflexión histórica sobre la lucha y conquista de los derechos LGBT. Entre momentos cómicos, profundos y de remembranza histórica el texto te permite reflexionar que lo que se ha conseguido al día de hoy ha costado humillaciones, discriminación y sangre. Probablemente los videos son un extra que podrían no ser necesarios ya que el texto y la actuación por si solos son suficientes para conmover y llevar al público al punto de reflexión que se quiere. Una obra que todos deberíamos de ver y más en estos tiempos en donde en ocasiones damos por sentados nuestros derechos conquistados o nos sentimos protegidos en nuestra clase social sin pensar en todas esas personas en las periferias que tienen todo que perder, y que lo perdieron todo en el pasado, si hubiera un retroceso. Gracias por traer y montar este tipo de obras.

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Simplemente perfecta. Una obra enfocada en infancias que resuena de forma abrumadora en los adultos y que sin duda recomendaría (y recomendaré) a cualquier persona. La dramaturgia y dirección es excelente, te va llevando de la mano de la historia de esta familia de payasos combinando diferentes segmentos que hace imposible que tu atención se pierda. Es un travesía emocional que nos lleva de la risa, a la inocencia y creatividad de los niños, a temas serios y profundos para terminar en un final melancólico, triste pero conmovedor. Sin duda, hasta el momento, mi obra favorita del 2026.

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Un tema que lamentablemente ha estado presente desde hace varios años. Al principio no sabía a donde iba a parar la obra pero se fue desenvolviendo la historia hasta llegar al clímax que te deja reflexionando que cualquier día 'normal' puede transformarse en algo trágico por el clima de violencia.

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Reí, me conmoví, aprendí y me encontré. La obra que no sabía que necesitaba vivir. Es una maravilla ver a Copatzin en el escenario, una clase (litearal) maestra de como contar una historia a través de diferentes elementos escénico y entregar un mensaje tan profundo. ¡Hasta me tocó casarme en escena! Una obra a la que invito a todos a no perderse. Maravillosa.

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Temporada de patos es una obra que vale mucho la pena ver, la elección de colores, la iluminación, el vestuario y las actuaciones están en una sincronía que hace que toda la experiencia sea muy cautivadora. El texto es bueno, aunque empieza un poco lento pero la manera en la que se va desenvolviendo el conflicto hasta llegar al clímax simplemente te atrapa. Y el final uff, es difícil no quedar conmovido. Lo único es que el eco de LARVA dificultaba escuchar los textos en los pocos momentos en los que los actores estaban de espaldas.

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La forma en la que la historia se va desenvolviendo en el texto es cautivadora. Poco a poco te vas enterando de información nueva que culmina en múltiples plot twist a lo largo de la función. Las actuaciones son geniales y representan muy bien el espíritu del texto. La escenografía juega con las perspectivas y hace que se sienta que realmente los actores son niños pequeños. Una obra con la que es difícil no empatizar y salir conmovido. Por otra parte, el uso de proyecciones no me pareció lo adecuado, muchos fondos se ven hechos con IA. La musicalización es muy buena. Lo único que no me gustó fue el delivery del final, siento que llega a un punto máximo de empatía por los protagonistas y la última frase con la que cierra la obra corta ese sentimiento repentinamente, con una frase que pareciera incluso como de cuento de terror. A pesar de esos detalles, sí es una obra que recomendaría y volvería a ver.

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La mayoría de obras que vi me gustaron mucho, hubo otras que sinceramente creo que no debieron estar en la muestra porque no representan la calidad del teatro jaliscience. Creo que faltó representación de teatro musical como 'Mamá está más chiquita' y, aunque me encantó Machetes y estoy muy contento de que la pude ver en mi ciudad, es importante cuestionarse si para una muestra estatal era buena idea que esta producción abriera siendo que es invitada de otro estado. También me gustó la diversidad de las propuestas aunque analizando un poco, con ayuda de @[33fd13e7-4502-4c40-8dab-d70ea2e1c4a9] , nos damos cuenta de que faltó teatro para las primeras infancias y para los adultos mayores. Creo que es muy rico poder ver teatro diverso porque así uno como público va armando su criterio de lo que le gusta ver y lo que no, pero creo que debería haber más comunicación sobre para qué público está dirigido cada obra ya que uno como teatrero ve la mayoría y se lleva un buen sabor de boca, pero alguien que a lo mejor es su primer acercamiento al teatro y ve una obra posmoderna puede que 1. no le entienda, 2. no quiera volver. Por lo que es muy importante trabajar en la creación de públicos. La dinámica de los pasaportes estuvo divertida y debería estar cada año, y ojalá aprovechen más esta plataforma en siguientes ediciones justo para que el público pueda discernir, a través de la voz de otras personas del público, si cierta producción es para mí o no.

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El tema me parece interesante y relevante: cómo la hiperconexión digital nos está desconectando de verdad. Pero en escena se siente más un ensayo filosófico que una historia: los personajes discuten problemas de pareja, sí, pero esos problemas parecen pretexto para llegar al debate de ideas, y eso le quita fuerza dramática. Lo que más me costó fue el desbalance entre los dos personajes. Sé que la intención era invertir el estereotipo (él con el amor platónico, ella con la voz crítica y más dependiente de la tecnología), y en el papel suena bien, pero en escena ella termina cargando con todo lo negativo mientras él nunca pierde ese halo de sabiduría. Se siente injusto, aunque no haya sido la intención. Lo que me gustó: la videollamada proyectada en tiempo real al fondo del escenario. Simple pero muy efectiva. En cambio el coro con voces y rostros hechos completamente con IA le resta más de lo que le suma a la sensación de profesionalismo. El final acentúa ese mismo desbalance, y me quedé con ganas de que la sátira alcanzara parejo a los dos personajes.

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