Tom en la granja contiene un elemento que en lo particular me encanta en cualquier historia, el darle todos los elementos al público sin sobreexplicarlos. Esto deja una cierta satisfacción intelectual en el público que termina de atar cabos en su mente y que de cierta forma vuelve al espectador en un colaborador para contar la historia. La trama y las imágenes son fuertes y crudas. Momentos intensos, momentos de risa pero una emoción que se mantiene en las casi 3 horas que dura la obra. Que maravilla ver a estos actores en escena, esperando la 9na temporada desde ahora.

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Primero un aplauso a todos los artistas en éscena ya que manejan un timing cómico excelente y saben utilizar los elementos externos a su favor (como cuando se escuchó un trailer afuera del teatro y supieron utilizarlo dentro del texto) El texto es un comentario social y político que es digerible para toda la familiar y resuena en cada generación de manera diferente. Aplausos especiales a los sastres 👏🏼 Creo que el comentario político es de especial importancia en Jalisco, sin embargo la adaptación del texto de emperador a emperatriz por si sola lleva una connotación que puede guiar al público a obviar lo que pasa a nivel estatal y dirigir la crítica a otro lado. Si esto fue a propósito estaría decepcionado de la decisión. Supieron manejar bien el cómo hacer que el público dijera que si puede ver el traje, es complicado ya que no puedes predecir la reacción del público y si hay muchos niños estos suelen ser más honestos lo que involucra un riesgo.

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Actuaciones fenomenales de actores que se ve que disfrutan y se divierten con lo que están presentando, y eso provoca que a su vez el público se divierta con ellos. La adaptación en la época pre-independencia está tan bien lograda que uno como público se queda con ganas de saber más sobre ese contexto mas allá del rompimiento metateatral en una parte de la obra (sin mas detalles para no dar spoliers) Aplausos a la dirección que sabe guiar a su público a través de un texto en el que te puedes perder fácilmente, pero que en cambio te mantiene concentrado y entretenido en toda la obra.

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Un espectáculo cabaret que por medio de la sátira hace crítica social sobre la desconexión de una parte de la población ante ciertos temas sociales. Música, risas, crítica social y política, todo lo que buscas en un espectáculo cabaret.

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Una propuesta profunda y visualmente cautivadora con actuaciones memorables

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Es un emotivo viaje a la frontera entre la adolescencia y la adultez. En un cuarto de hotel londinense, tres amigos viven una de sus últimas noches juntos, creando un refugio ante el inminente y aterrador cambio vital. El texto de Iñigo Cobo brilla por su profundidad poética, capturando el miedo universal a ser olvidado o reemplazado. Aunque la dinámica actoral inicia algo forzada, pronto evoluciona hacia una cautivadora naturalidad, destacando la brillante y compleja interpretación de Elizabeth. La escenografía, íntima y funcional, nos encierra magistralmente en esa burbuja temporal. Si bien la iluminación sufrió ligeros retrasos técnicos y la tercera parte agradecería un recorte, son detalles menores. Es una experiencia escénica que abraza nuestra vulnerabilidad sin condescendencia y nos hace recordar la frágil intensidad de crecer.

Una experiencia completamente hipnótica y fascinante. La combinación de la iluminación, los vestuarios, la coreografía y los cantos en vivo embonan a la perfección dando como resultado un espectáculo cautivador de inicio a fin.

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Una experiencia que no es para cualquiera. Un performance basado en la exploración de lo sexual y en lo que se oculta en la oscuridad.

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Gran espectáculo, un recorrido histórico sobre la deshumanización sistemática del diferente, del migrante, del alien. Todo el tiempo me tenían expectante, los audios que acompañan la interpretación para ahondar en el tema histórico muy acertado. Imágenes potentes que se te quedan grabadas. Esperemos que tengan mas funciones.

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Una historia cruda sobre la exclusión, pero también sobre la esperanza. Toca temas fuertes pero necesarios. Lo que mas me gustó fue la iluminación, realmente no necesitaban mas escenografía porque la iluminación te delimitaba los espacios y te transportaba al punto exacto de la historia y te transmitía los sentimientos de los personajes, una verdadera dramaturgia de la luz. Los dos actores increíbles y la buena dirección se nota.

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Una semana antes acababa de leer el texto original, y cuando vi la obra no entendía quién era esa Blanche que estaba viendo. La dirección se aleja fundamentalmente del texto y la actuación de Marina de Tavira no muestra una evolución hacia la Locura, si no que empieza ya en ese punto. Desde el momento en el que Blanche entró descalza moviendo su maleta (caja) de una manera tan brusca supe que esta producción iba a descartar la esencia original del tranvía. Y no es que un director no pueda insertar su propia visión en la producción, de hecho creo que es necesario que lo haga, pero debe de entender lo que el texto pide y en ese entendimiento buscar que nos dice el texto en la época actual. Esto no fue el tranvía, fue otra otra cosa.

Montar un clásico, y sobre todo uno en verso no es tarea fácil. Se tiene que tener una creatividad dotada y una sensibilidad para tomar lo que el texto nos dice en estos tiempos. Además al público no estar acostumbrado a los textos en verso, el peso de la obra cae principalmente en lo que no está escrito, en las actuaciones, en las pausas, en la dirección. Esta producción logra todo esto de una manera virtuosa. El diseño del escenario original y funcional, no es solo un decorado si no que se vuelve parte de la acción. Las actuaciones en su punto nos van llevando por el mar de la obra sin perdernos en el verso, y la incorporación de los boleros le da un dinamismo fresco. En ciertos momentos quizás la obra sw hizo un poco lenta, pero rápidamente retomaba el ritmo haciendo ligeras las casi 3 horas de función. Muy recomendable.

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