Se entiende la relevancia de las innovaciones dramáticas de Pirandello. No obstante, este montaje se vuelve cansino, los momentos meta-teatrales no logran hacer dudar al espectador si suceden dentro o fuera de la ficción y tampoco parece tener importancia. Los actores están comprometidos pero no parecen estar en la misma página que la dirección, generando un importante abandono de la sala durante el intermedio.

Es sobresaliente el talento de Majo Pérez y la dramaturgia nos lleva por un bordado de conflictos sumamente interesante. Es entrañable la presencia de un personaje que sin buscarlo, se enamora profundamente del Teatro. Es complicado mantener la energía, tono y atención durante toda la obra pero en definitiva es una de las mejores propuestas de la Ciudad de México.

Una interesante propuesta para revitalizar el clásico de Williams. Los puntos más altos de la puesta en escena se logran a través de los ensambles vocales y las intervenciones musicales de Andrés Penella . Las actuaciones no logran atinar un tono que genere la tensión necesaria para sostener las tres horas de la función. Una obra con nombres reconocidos en la escena nacional que garantizan la taquilla, pero que no expanden la experiencia para incentivar las recomendaciones a través del boca en boca.

Difícil de creer que la mente que escenificó la imperdible "ROSE" haya estado detrás de este montaje. Actoralmente se encuentra en un limbo tonal que no logra amarrar una estética que favorezca la narrativa, generando numerosos momentos incómodos, poniendo a la actriz en situaciones donde ella se ve vulnerable y no el personaje.

Una mujer sentada en una banca por tres horas nos regala una de las experiencias escénicas más poderosas del país. Un conflicto que se carga desde el éxodo hasta el 2026 y que no tiene miedo en mostrar las distintas aristas de la guerra y la segregación. La actuación es sobresaliente aunque por momentos la acústica del jardín escénico juega en contra de la proyección de la actriz. Definitivamente una obra ante la cuál no se puede permanecer indiferente. Puede ser cansada de ver y cae un poco en contundencia al profundizar sobre la vida de la protagonista en Estados Unidos, pero es uno de los mejores remontajes del 2026.

Una narraturgia acartonada se apodera del escenario desde el primer momento. Actoralmente se confunde el representar la época de los personajes con actuar desde una verbalización exagerada y arcaica que no hace más que entorpecer la posibilidad de empatizar con los personajes. La tragedia de Plath logra mantener a flote el montaje, sin embargo, el ritmo de la escena parece tener el objetivo opuesto. Hay un personaje que su único recurso es reírse incomodamente antes de cualquier parlamento y en una obra de más de 100 minutos es desgastante. Resultan no creíbles los personajes masculinos y como audiencia sólo nos queda decidir creerles que son poetas sobresalientes, porque definitivamente eso no se percibe en el escenario. La obra tiene un bellísimo diseño de arte que hace más llevadero el encontarse en ese espacio cerrado y compartido.

Una dramaturgia sobresaliente. Lograr amalgamar neurología, historia, política y amor a través del estudio de la lengua es maravilloso. Las actuaciones de Luisa Huertas y Arturo Ríos son poderosas y enternecedoras. La escenografía como reflejo de la desarticulación de la memoria y por lo tanto de la identidad es excelente. Por momentos el ritmo escénico puede menguar pero aún así es una obra imperdible de la CNT.

Una maravillosa experiencia visual. Si la obra fuera de un solo acto, en definitiva sería de las puestas en escena más memorables en la Ciudad de México. La plasticidad lograda en el escenario es sobresaliente, sin embargo, la belleza del primer acto se diluye en la segunda mitad entre conflictos insipidos y una antagonista intrascendente que derrumban lo que se construyó en la primera parte.

El acierto de la cnt en sus obras de gran formato. La música como tejedora del conflicto de Sor Juana es lo más grato de la experiencia. Hay personajes femeninos memorables (en especial por la interpretación de Mariana Villaseñor) y que se vuelven entrañables mientras navegamos por el universo de Sor Juana. No obstante, en este montaje los personajes masculinos se sienten anecdóticos y la tibieza no es algo que tenga cabida en los empeños de una casa. Las escenas de Sor Juana dentro de su propia obra son bien manejadas por la actriz, pero por momentos rompen con la inercia de la ficción principal sin lograr ser verdaderamente memorables dentro de su propia línea dramática. Gracias a todos los artistas involucrados por su dedicación.

Es interesante la multiplicidad ficcional de la obra, sin embargo, la mayoría de esas capas de perciben exclusivas para los "iniciados" en la historia del teatro mexicano y de Moliere. La música barroca en vivo es un acierto sobresaliente en una puesta en escena que no logra sostenerse narrativamente. El tedio en las escenas de los actores de mayor edad se hace presente en varias ocasiones y por momentos es la buena disposición de los intérpretes más jóvenes es lo que pone esta obra a flote. Es interesante el planteamiento de Moliere sobre la integridad ante la posibilidad de perder su teatro y pareciera que lo mismo sucede en este montaje. Una generación que va de salida que se aferra a lo que alguna vez fue su Teatro mexicano.

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Definitivamente la cumbia en vivo es el acierto más grande de la puesta en escena. Giménez Cacho logra hacer entrañable a la burocracia nacional. No obstante, a nivel dramaturgico el formato de transición-escena de dos-transición-escena de dos. Se desgasta rápidamente en una obra de dos horas y media + intermedio. Es arriesgada la propuesta argumental de que en un mundo con crisis hídrica, las acciones de los personajes se desvíen hacia el sistema educativo. (Acción posible pero a la que el texto llega de forma atravancada y literalmente por intervención divina). Gracias a los policías, burócratas y músicos por hacer llevadera esta obra teatral.

Jóvenes intérpretes completamente comprometidos con su labor escénica. Sin embargo, la redundancia dramaturgica desgasta la experiencia escénica. Su humor negro errático difumina la posibilidad de profundidad en los personajes y para cuando apelan a la empatía, ya es demasiado tarde. La escena de las pesadillas genera lo que la generación representada conoce como cringe. De nuevo, hay buenas promesas actores en el escenario.